“家”意味着共性——一种共享的联系或关系、一种在生物学上或明显地有关联的人或物的聚合。 “家”是一个归属之处,它毋需是一个起源地,却必然是个充满包容和慰籍的之地。 对于许多人来说,“家”几乎是个抽象的概念,一个存在的遥远的可能。
一个家庭中所具有的联结性,往往超越了既定或预设的家庭关系,并具有需花费多年时间才能建立起来的同理心、信任、团结、友谊、相互依赖性和情感。 此次线上展览中的作品包含了所有这些元素,即成为家的一部分,成为这个比个人本身更广大的事物的一部分,以及与“家”有所关联的意义——无论家是被留在身后抑或是个尚未找到的某个地方。
2005-2006 年
装置
墙上绘画,自粘胶带
300 x 300 cm
版本:5
“我非常努力地将天空切成两半。一半给我的爱人,一半给我。但天空一直在移动,他那半天空中的云朵,飘进了我的这半天空。我试图用双手将云推开。我的双手越来越用力。但是天空仍一直移动,我的这半天空中的云朵,飘入了他的那半天空。我带来了一张沙发,将它放在我们的天空中间,但云朵却在 上方飘动。我在中间建了一堵墙,而天空却越过了墙。我挖了一道沟渠,然后下雨了,天空在沟渠上又造了云。我非常努力地将天空切成两半。”
这些话听起来像是战争前线的来信。 一个单相思的士兵坐在战壕中,写下这些话语。他正在为某个人而战。当他的眼泪滴落在这些字母上,笔迹变得模糊。若没有彩色电影,我们能够以黑白来想象这个场景。这个世界的明暗度以黑色刻画邪恶,用白色描摹善良。这可能有点老套。
这些词以旗帜的形式被粘合在一起,一块布使自负的男人的胸膛装满了归属感和由此产生的骄傲。旗帜飞扬着。这面黄色旗帜不属于任何人。“请靠近,并了解我”——旗帜在邀请着人们。当你离它越近,你就能越好地阅读黄色胶带上像队列般的小字。 仿佛印度圣人的衣服上写着的奥姆符(“Om”)一样,你会看到上面写着:“这里没有边界”。它像诵经一样被不断重复。 (约翰尼•ML)
席帕•古普塔的这件作品简单而直接。本应宣扬自由的旗帜,现在限制了自由。因其固有的民族、意识形态、种姓、信仰和种族意味,旗帜成为一件使人受限的物件,它象征了“界限”。
这个梦幻般的场景被诗意的词汇描述。这首诗的呈现形式使它充满了矛盾,它暗示了其中话语的对立面:例如,由黄色胶带构成的线条,从近处看,上面印着:“这里没有边界“。这首诗的主体以旗帜的形式贴在墙上,这是另一个充满矛盾的主题:一方面,旗帜象征着自由和独立,另一方面,它指的是边界——国籍、宗教或意识形态的界限。
席帕•古普塔(生于1976年) 生活并工作于印度孟买,她于1992年至1997年在 J. J.爵士艺术学院学习雕塑。
她的作品关注空间,以及我们如何占有和使用空间,还有该空间是否与民族身份、个人身份、身体存在或语言有关;她经常将艺术从以物为主的商品变换为参与式体验。她关注我们如何定义物质的、社会的和个人的经历,以及这些经历是如何经由分类、限制、审查和“安全”化在社会中被转化。
1992-2016 年
玻璃钢,木头,颜料
600 x 600 x 150 cm
独版
对于卡普尔来说,作品有两种“成形”:一种是对作品的近乎观影般的体验——作品在被观看时其表面上的进展;另一种变化则是一种内部状态,一种更具诗意的状态,即作品在观看者的想象中成形。
安尼施•卡普尔在非常震撼的原始之地——艾尔斯岩(Ayers Rock)度过了一段时间之后,经历了一些不可思议的事。他与这个地方建立了深刻的联系,并注意到对似乎依傍着艾尔斯岩的岩洞和岩石带的象征性诠释,这令他惊奇——不是对岩石自身,而是对岩石是如何由象征性事件构成的。他写下的想法之一就是“白墙上的白形”。作品《当我怀孕时》——一个形成状态中的物件,就是创作的结果。
回到伦敦后,他开始在白色的墙壁上制作白色的形体——一个既可以存在也可以不存在的形体。“要使其消失,就必须将其从各个方向拉出、减弱,这样它才能将其自身融合于墙体”,卡普尔说到:“它变成一个饱满的、怀孕般的形状,但它并不存在。当我们直接看作品时,这个形体就像墙壁上的绒毛般,处于“非物”的状态。
某些僧侣会问对方他们是否“充满深意”,这与他们是否达到了某种精神境界有关。所以艺术家想知道,我“充满深意”了吗?
当您在作品《当我怀孕时》面前,无论离得多近或多远,它看起来都是不确切的。只有当您移到它的侧面时,您才能看到它是一个形体。作品中有些轻微的“操作”,引使观者有所作为。
安尼施•卡普尔被认为是当今最具影响力的雕塑家之一。 他于1954年出生在孟买,现生活并工作于伦敦。他于1973至1977年就读于霍恩西艺术学院,随后于1977至1978年在伦敦切尔西艺术学院攻读研究生。
安尼施•卡普尔是英国雕塑家,以其大型装置、雕塑以及室内和室外的特定地点的作品而闻名。他最初使用花岗岩、石灰石、大理石、颜料和石膏等天然材料制作抽象雕塑。他因使用不寻常的材料而闻名,其中最著名的两种材料是镜子和彩色颜料。他还以创造与观众互动的新场景的能力而闻名,通常是通过操纵其它材料的机械化元素来完成的。这些作品很多都是单色的,它们有时会挑战观众对当下环境的感知,以试图对他们心理和身体状态有所影响。
2017 年
纸上水彩
42 x 29.7 cm
独版
作品以沙漏的形态置于容器两端作为其表征的附着,粘合而相连的描绘着某种共生关系,仿佛时间流沙般的从一个人流入另一个人。
乔治•马基 于1963年出生在布宜诺斯艾利斯,现生活并工作于布宜诺斯艾利斯。
马基曾就读于布宜诺斯艾利斯国立艺术学院。在他看来,创作越简单、素净,越能更好地涵盖寓意,与我们之间的关系也愈具亲密和情感。这种“间接的策略”和敏锐的黑色幽默是马基作品的特征。
马基经常在报纸——一种典型的基于事实的信息档案上绘画,他的作品常常源自趣闻轶事、偶然事件和日常生活。符号被他悄然分解,并以一种“陌生化”的方式重新拼凑在一起。马基清楚地展示了他对边缘、结尾和片段的兴趣,这些都是我们所忘却的。在他的世界中,一切都是在过渡状态,不具固定意味。没有什么是永久的。他的作品反映出一种缺席,却与存在物一样有力地支撑作品。他是一位关注消亡与怀旧之情的艺术家。
2016 年
木质投影仪,玻璃幻灯片
21.5 x 11.5 x 9.5 cm
独版
《幻想》系列作品通过展示从小村镇到新都市的迁移之旅,探讨了对新生活的期待。作品名称则暗示了这可能是个幻想。儿童与少年为了追寻新生活亦远途跋涉,引发了观者对家庭问题的关注——他们的家在哪里?
艾哈迈德•马塔尔 出生于1979年,他的作品是十年中巨大的经济和政治变动的有力总结,马塔尔见证了一个快速转型的社会,其变化发展为惊人的社会转变和立场鲜明的意识形态。
由内科医生转行为艺术家的艾哈迈德•马塔尔是记录和审视当代沙特阿拉伯现实的最重要的发言人之一。他创建了一个关于该国的持续的、复杂的记录,他的创作探索了集体记忆,以发现和记录非官方的历史。他概念性作品中的有力行为,使他的以研究为主导的探问中所包含的历史、地理和时事主题变得更加尖锐。从其视角出发,马塔尔对这片具有空前的宗教、社会、经济和政治影响力的土地做出可能的展望。通过摄影、电影、雕塑和行为表演,他统筹、记录并分析,并探讨个人、社区、社会和世界所受到的心理影响。
2016 年
布料上刺绣,玻璃盒(来自弗吉尼亚•伍尔夫《一个人的房间》)
28 x 34 x 5 cm
独版
萨布琳娜•梅扎奎的作品源自一个她自定的原则下的反思过程。文学是她艺术研究的主要对象,文字作为其创作的媒介亦是所传递的信息。在她的艺术实践中,她采用“距离原则”,剥离通用词汇进行创作,以生成通常由纸、线和织物制成的图像和有形物件。这件作品便体现了艺术家的这种志趣,织物上的刺绣代表着写在书页上的文字,装在玻璃盒子里的这本书则是弗吉尼亚•伍尔夫(Virginia Woolf)的《一个人的房间》。
萨布琳娜•梅扎奎于1964年出生于意大利博洛尼亚。
1985年,她毕业于博洛尼亚艺术学院(Istituto Statale d’Arte di Bologna), 随后于1993年毕业于博洛尼亚美术学院(Accademia di Belle Arti Bologna)。
她现在生活并工作于博洛尼亚的马尔扎博托。
萨布琳娜•梅扎奎的作品源自一个她自定的原则下的反思过程。文学常常是她艺术研究和实践的中心——文字既是创作的媒介,又是创作所传递的讯息。在艺术实践中,她使用距离法则,在避免必用词汇的原则下进行创作,以生成往往由纸、线和织物制成的图像和有形物件。建构和解构过程激活了它们自身,这两种过程彼此相连接,私密的作品由此产生。这些作品中,艺术家与世界的关系经由文字与日记的方式透露出来。强烈的叙事元素显现在她的创作方式中,该创作方式结合了停滞的、扩张的和永恒的时间,唤起了一种记忆的感觉;而勤劳的双手在交错、缝制和裁剪时,关注着在重复一个符号或姿态时的明显质朴性面前的,仪式的局限性。
2019 年
聚酯,木头,钢铁,涂层
107 x 54 x 111 cm
版本:5 + 2AP
作品展示了一对坐在悬崖岬角上的少年情侣,它是一个关于青涩爱情的苦乐交织的形象,向观众展示了艺术家对变化的专注。在变化中,我们生活的不同时期在过渡到一个新阶段之前,总是穿插着等待期。这件作品是初恋的象征,标志着进入成年的过程和纯真的丧失。
汉斯•欧普•德•贝克 1969年出生于比利时的蒂尔瑙特,现今在布鲁塞尔生活和工作。汉斯的作品在世界各地的个展和群展中被广泛展示。
他制作大型沉浸式装置、电影、雕塑、照片、绘画和文本。其作品反映了我们复杂的社会以及普遍人类思考的问题——生命的意义。他激发观众的感官,并邀请他们进行真正的影像体验。
已售
2013 年
哈内姆勒纸上喷墨打印,白框
21 x 29.7 cm
版本:3+ 2AP
乔瓦尼•欧祖拉的摄影作品中, 他以一种炫丽的方式将光影与空间三维度完美结合呈现,这使人们联想到绘画。在我们的感知之中,始终蕴含着与光源的连结。在这件作品中,日常事物成为了一首诗。
乔瓦尼•欧祖拉于1982年出生于佛罗伦萨,目前生活和工作于西班牙加那利群岛。他在众多国际的公共与私人机构举办过展览,近年的展览包括:2018年,“黑色音符”, Moctezuma侯爵宫,Unicaja Joaquin Peinado博物馆,西班牙马拉加隆达;“我的真相及其时空——你我之间”,Claessens画布公司,比利时瓦勒海姆;“双面”,法国巴黎路易威登基金会;“IL RICHIAMO DI CTHULHU”,欧洲第十二届宣言展,意大利巴勒莫Mazzarino宫和罗马二十一世纪艺术国家博物馆WunderMoRE的合作项目;2017年, “沉船和有星星的房间“,德国柏林Lynchen无标题协会;“海市蜃楼”,郊野当代文化中心,西班牙格拉纳达和意大利罗马;2016年,“漂泊”, 南非开普敦第6区博物馆;“现实系统”,意大利比萨, 和“重生”,阿布达比酋长国艺术中心,阿联酋。他的作品被纳于众多私人和公共收藏中,其中包括:意大利罗韦雷托MART、美国纽约切尔西艺术博物馆、迪拜沙迦玛雅艺术中心、日本东京森美术馆、荷兰舒克艺术馆、奥地利布雷根茨Thurn Und Taxis美术馆、意大利努奥罗Man美术馆、日本东京早稻田大学、法国格勒诺布尔的巴士底艺术中心;意大利蒙法尔科GC,AC、意大利米兰Viafarini Docva、意大利佩萨罗Pescheria视觉艺术中心;OCAT上海当代艺术中心、广东省美术馆、沙特阿拉伯吉达2139和南非开普敦六区博物馆。欧祖拉获得的奖项包括Premio Cairo奖(2011),Premio Terna奖(2008)和Seat Pagine Gialle奖(2007)。
2018 年
超级镜面不锈钢丝网印刷
250 x 125 cm
独版
米开朗基罗•皮斯特莱托捕捉到了一刻亲密的家庭时光,观众见证了这一家三口创造回忆的瞬间,并同时通过超级不锈钢镜将自己置入图像之中。
米开朗基罗•皮斯特莱托于1933年出生于意大利皮埃蒙特的比耶拉。他是意大利画家、艺术评论家、行为艺术家、装置艺术家和造型艺术家,在“贫穷艺术”运动中具有重要地位。从1947年到1958年,他与父亲一起,从事绘画修复师的工作。在50年代,他主要创作自画像和人像作品。1959年,他参加了圣马力诺双年展。 一年后,他在都灵的Galatea画廊(Galleria Galatea)举办了首次个展。他著名的镜面画系列作品起源于他于1960至1961年间开始创作的自画像。在这些画中,他用金属漆覆盖画布。再往后,他则以抛光钢代替画布。米开朗基罗•皮斯特莱托开始将图像以丝网印刷的方式印在抛光钢板上。这些真人大小的图像的创作目的是为了将周遭环境和观众融合到他的作品中,从而检验现实及对现实的再现。将镜子作为表面后来成为了皮斯特莱托艺术生涯中经常出现的元素。在60年代后期,皮斯特莱托开始尝试行为艺术。在成立了Zoo小组之后,皮斯特莱托于1968年至1970年期间展示了不同“行动”。这些行为表演旨在将艺术带入人们的日常生活。它们在艺术家工作室、学校、剧院、都灵的街道以及其他城市被呈现。米开朗基罗•皮斯特莱托在世界上一些最负盛名的美术馆举办过回顾展,其中包括:威尼斯的格拉西宫(1976年)、马德里水晶宫(1983年)、佛罗伦萨的贝尔维德雷堡(1984年)、罗马现代美术馆(1990年)和巴塞罗那当代艺术博物馆(2000年)。他曾参加过第四届、第七届、第九届和第十一届的卡塞尔文献展以及超过八次的威尼斯双年展。1994年,皮斯特莱托创立了“艺术项目”,该项目旨在通过艺术将社会中的多样性联结在一起。1998年,他建立了“艺术城市——皮斯特莱托基金会”,该基金会是比耶拉研究和传播文化活动的中心。作品《第三天堂》的创作始于2004年,灵感来自皮斯特莱托对符号学和参与社会问题的兴趣。第三天堂的符号源自于“无穷”的符号。该国际项目在世界各地的不同地方举行,例如古巴的哈瓦那和意大利的那不勒斯、罗马、比耶拉。该项目的意图是带有社会性质的,通过艺术和创造力使人们团结起来,使社会变得更美好。
2009 年
混合媒体
117 x 30 cm, 120 x 25 cm, 120 x 40 cm
独版
该作品在第53届威尼斯双年展上首次展出,名为《创造世界》。艺术家试图创造一个构建中的世界,具有自发性、多种活动和交流的世界,以及一种持续的对话。此处展示了一个温暖光线中的日常生活场景。
“向常识——为人类服务的智慧之美而致敬,对过去的生动提醒是为了共创更美好的明天”
——帕斯卡尔•马尔蒂那•塔尤,2020年
帕斯卡尔•马尔蒂那•塔尤于1966年出生在恩康桑巴,他生活并工作于比利时的根特和喀麦隆的雅温得。
他的作品具有多变的特点,因为他并不将自己的艺术作品限制于一种媒介,也不局限于特定的主题。尽管他的创作主题可能很多元,但它们都以艺术家本人为出发点。他的作品有意不具固定模式的,并且各种各样。它总是与旅行以及与自我以外的事物接触的想法紧密相关,并且是如此的自然,以至于看起来几乎是偶然生成的。塔尤创作的物件、雕塑、装置、绘画和视频具有一个共同的特征:它们都关于一个人环游世界并探索地球村的问题上。正是在这种语境里,塔尤探讨了他的非洲血统和相关的期望。
2012 年
墨水,彩色铅笔,尼泊尔纸
124.46 x 184.15 cm
独版
奇奇•史密斯对纸张(一种她已经全面探索的材料)的触感的爱好使她的绘画栩栩如生。她所使用的纸张是半透明的,像皮肤一般,并由手工制作。这意味着观众与她作品题材之间的联系是由一种感具有感染力和颠覆性的关系决定的。
奇奇•史密斯(美国人,1954年生于德国纽伦堡),自1980年代以来因其与人类状况和自然世界有关的多学科实践而闻名。她使用各种各样的材料不断地扩展和进化一系列的作品, 包括雕塑、版画、摄影、绘画和纺织品。史密斯在全球范围内举办了许多个展, 其中包括超过25次博物馆展览。她的作品包括2017年,曾五次在威尼斯双年展展出。她是美国艺术与文学学院和美国艺术与科学学院的成员, 并于2017年被伦敦皇家艺术学院授予荣誉皇家院士称号。此前, 史密斯在2006年被《时代》杂志评选为"时代百强: 塑造我们世界的人" 之一。其他被奖项包括2000年的斯科希甘雕塑奖章;2009年麦克杜威奖章;2010年由珀切斯艺术院校颁发的尼尔森•洛克菲勒奖;2013年由希拉里•克林顿亲自颁发的美国国务院艺术奖章;以及国际雕塑中心授予的2016年终身成就奖等。她现任纽约大学和哥伦比亚大学的兼职教授。